¿Cómo ayudar a estos creadores en problemas?
¿Cómo solidarizarnos con ellos?

En esta época complicada, el autor del blog, Andrew Haydon, afirma que a pesar del negro panorama, tiene un sentimiento de optimismo al enterarse que distintas naciones consideran prohibir las actividades teatrales por ser, bajo su perspectiva, subversivas y peligrosas. Lo cual según Haydon que el teatro sigue siendo una fuerza para el cambio y la toma de conciencia.

Enlaces:

Blog de Teatro The Guardian:

http://www.guardian.co.uk/stage/theatreblog/2011/jan/06/theatre-change-world-belarus

Sobre Hungría (en francés):

http://www.mediapart.fr/club/blog/henry-moreigne/030111/hongrie-le-mauvais-visage-de-lue

La iniciativa sigue creciendo, gracias a la colaboración con otros dos proyectos: uno sobre el intercambio epistolar durante el siglo XVII relativo a la circulación del conocimiento (Holanda) y “Cultures of Knowledge” de Oxford.

La lectura de la página internet dedicada al proyecto nos explica que la expresión República de letras viene del latín: republica litteraria, término utilizado por primera vez en 1417, en la correspondencia entre Francesco Barbaro y Poggio Bracciolini, para implicar que estaban comprometidos con una comunidad dedicada a revivir los ideales romanos de conocimiento y educación.

Cuando el francés Pierre Bayle comenzo su publicación periódica Nouvelles de la république des lettres en 1684, el concepto se había ampliado para denominar una colectividad intelectual comprometida con el conocimiento. Los académicos de las Luces describían su comunidad internacional como una “República de letras”. El término designaba simultáneamente una agrupación imaginaria, una red de información, y una plataforma dinámica donde se proponían, desarrollaban y ejecutaban proyectos.

La república de letras existió durante casi cuatro siglos, y en el siglo XVII, se podía considerar una comunidad transatlántica gracias a los intercambios fuera de Europa

Enlaces

Mapping the Republic of Letters (en inglés solamente):

http://republicofletters.stanford.edu/

http://shc.stanford.edu/collaborations/supported-projects/mapping-republic-letters/

Cultures of Knowledge (en inglés)

http://www.history.ox.ac.uk/cofk/

Circulation of knowledge (en inglés):

http://www.onderzoekinformatie.nl/nl/oi/nod/onderzoek/OND1334790/

Crónica – reflexión de un encuentro: ¿Cuál es el lugar del artista en la ciudad?

El Observatorio de Políticas Culturales francés (OPC) cumplió 20 años, y para festejarlo organizó una serie de Coloquios en distintas ciudades de Francia y de otros países europeos (Vilnius, Grenoble, Barcelona, Avignon, Annecy, Bruselas, Estrasburgo, Burdeos, Rennes, Caen, Privas-Ardeche y París). Tuve la oportunidad de asistir al coloquio de Rennes cuyo tema fue:

¿Cuál es el lugar del artista en la ciudad?

La presentación que hacen los organizadores del mencionado evento permitía vislumbrar a mi modo de ver un delicioso debate.

Visto en retrospectiva, me pregunto si el título de “coloquio” era el más adecuado, creo que preferiría denominarlo “encuentro”. Si consideramos que coloquio da la idea de diálogo, aquí el diálogo, el debate si me atrevo a mencionarlo de nuevo, estuvo ausente, o tal vez con algunos destellos, un tímido atisbo para ver si podía inmiscuirse entre nosotros.

El arte, la ciudad…

El alcalde de Rennes inauguró el encuentro (lo llamaré así de ahora en adelante), con un excelente y apasionado discurso artístico-cultural (es buen orador) sobre la ciudad impregnada de cultura, la ciudad objeto de cultura; donde el artista va al encuentro de sus habitantes. El artista está ahí para interrogar, para guiar, para interpelar.
Habló de la creación de un lazo social. Señaló que el arte tiene una función de florecimiento individual y colectivo dentro de la ciudad, donde reina un verdadero pluralismo artístico y cultural.

Se percibía el malestar en el ambiente, entre los ponentes, debido a las próximas reformas de los estatutos de las colectividades locales, lo que implica que se cortarán los recursos y ello afectará por ende los apoyos a proyectos culturales, un regreso a la centralización del financiamiento.
Se mencionó, “como de pasada” por Sylvie Robert (representante del presidente del Consejo Regional de Bretaña), que asistimos a una mercantilización cada vez mayor en diversas esferas de nuestra sociedad, que la masificación de la cultura es un peligro para la diversidad cultural (parecía como si se hubieran sentado a escribir el discurso con el libro Nuestra diversidad creativa de UNESCO).

Incertidumbre ante el futuro.

Y cerramos esta primera parte con una cita de Máximo Cacciari leída por Sylvie Robert: “el pluralismo sería una desgracia si cada uno de sus componentes no tuviera hospitalidad por/hacia el otro”.

El presidente del Observatorio de Políticas culturales, Jean-Pierre Saez, durante su primera intervención habló de la pertinencia de las apuestas artísticas y culturales en la política pública, destacó que la crisis económica ha tenido como consecuencia que el empleo, el trabajo de los artistas se fragilice. Punto que podría discutirse, si pensamos que muchos (por no decir la mayoría) de los creadores, desde siempre han estado luchando por sacar adelante sus nuevos proyectos, que son contados los que viven exclusivamente de su arte, en fin, que el trabajo del artista ha sido frágil ya desde antes de la tan cacareada crisis… Afirmó que los artistas participan en la vida simbólica de una ciudad, que no hay ciudad sin arte y concluyó con la rotunda afirmación por todos bien conocida, bastante escuchada aunque no compartida por algunos, que el arte es esencial a la vida (¡ufff! Suena bonito, pero también y disculpen, suena un poco ¡o un mucho! a lugar común).

Paul Ardenne, en su meteórica intervención (por lo rápida debido al retraso en la ceremonia de inauguración. Qué quieren, el alcalde estaba inspirado), nos llevó en un recorrido fugaz por las intervenciones artísticas en el espacio urbano, donde el artista es quien decide, donde su trabajo es efímero, en ocasiones polémico, adaptado al espacio citadino –espacio que aunque es compartido, es administrado– un trabajo clandestino en cierta forma. Fuimos de Daniel Buren en los 60’s a las creaciones de Patrick Mimram (Don’t worry, none of us will be remembered in the next century).
Mencionó también brevemente el hecho de que se ha dotado al arte de un papel creador de vínculos sociales, de considerar al artista como un misionero y que hoy en día observamos desarrollarse un cierto activismo.
Sin desarrollar, lamentablemente el punto arriba mencionado en su presentación también vimos fugazmente trabajos de:

ATSA (Action Terroriste Socialement Aceptable), grupo canadiense
Santiago Sierra
Adbusters –
Zevs (pronunciar Zeus, seudónimo de Christophe Schwarz)
Gordon Matta Clark
Clara Halter – creó su famoso muro por la paz en Champs de Mars (frente a la Torre Eiffel), después desarrolló en Jerusalén un proyecto por el estilo Les Tentes de la Paix, mientras seguían los enfrentamientos entre israelíes y palestinos.
Compagnie Retouramont -Utlizan la ciudad y los elementos urbanos para sus creaciones coreográficas.

Para terminar Paul Ardenne planteó la cuestión en qué momento hay un riesgo de oficialización y de manipulación del arte cuando se trata de obras por “encargo” del poder público.

Al finalizar esta ponencia, el programa continuó con una mesa redonda:

Los participantes de la primera mesa redonda estuvieron poco apasionados, después del “bombardeo” de preguntas y reflexiones con que inició la moderadora, Maud Le Floc’h el intercambio. Los invitados parecían algo perdidos ante tal avalancha. Al final me resultó evidente que el problema al que todos hacían referencia sin cesar es el financiamiento, ¿cómo conservar la libertad creativa y no desaparecer en el intento? Los límites del control del financiamiento del estado.
Y se volvió a hacer referencia a la hospitalidad (referencia que aún no me queda clara) y a la producción simbólica (no sólo artística) de los creadores.
En esta mesa redonda lo más digno de ser comentado en este espacio fueron:

Las puestas en escena acuáticas de Bruno Schebelin con su grupo Ilotopie: su propuesta parece muy bella (al menos así se veía en las fotos):

http://ilotopie.com/

La portuguesa Teresa Ricou, que aunque no hizo una presentación muy concreta, habló del centro que creó en Lisboa: Chapitô

Zeus y su trabajo de desvío publicitario, decidió utilizar la ciudad como su taller

http/www.gzzglz.com

http/www.patriciadorfmann.com/artist/zevs

Los integrantes de la mesa redonda no. 1 se alargaron en sus intervenciones (¡la moderadora mencionó de pasada a la Agencia Nacional de Psicoanalismo Urbano! A eso se le llama hiperespecialización) y tardaron en ceder la palabra al público. Llegó la hora de la comida y todos, hambrientos y algo cansados, hicimos la correspondiente pausa.

Después de comer, iniciamos con la:

Mesa redonda no. 2
De este intercambio destaco que:
Del proyecto de Véronique Aubouy que consiste en filmar a personas comunes y corrientes en los lugares elegidos por ellos mismos, mientras leen En busca del tiempo perdido de Marcel Proust, en mi opinión son más interesantes las fotografías que hizo de los participantes/lectores que el video en sí.

Lionel Arnaud, profesor de sociología en la Universidad de Rennes mencionó que la institucionalización del arte es una forma de reconocimiento, ser visto y escuchado en el espacio público. Afirmó que dotar al arte de un rol de cohesión social es desnaturalizarlo.

Dado que estaban presentes los funcionarios responsables, se hizo referencia a los eventos, manifestaciones o como sea correcto denominarlos: Liverpool Capital Europea de la Cultura 2008 y Lille Capital Cultural Europea 2004. Una de las asistentes hizo el comentario a los integrantes de la mesa redonda que en su opinión hay una uniformización de las manifestaciones “ciudad capital europea de la cultura”, que son muy parecidas todas las que ha visto, siempre incluyen desfiles…
La respuesta de los implicados fue que las actividades NO son parecidas y que los desfiles se organizan para que la manifestación se haga visible, para integrar a los ciudadanos. Pero una vez concluido el GRAN evento, reconocieron que el regreso a la realidad para la ciudad en cuestión es brutal.

Y para concluir:

Jean-Pierre Saez cerró el encuentro haciendo referencia a la ciudad como fuente de inspiración para los artistas, que el arte cuestiona, cambia y que Europa es un espacio a conquistar para ir más allá.

Al final me quedé con una impresión de lejanía, de haber estado con los habitantes de uno de los tantos “Olimpos culturales” que existen, con gente ya establecida, que ya cuenta con un lugar, un “nicho” ya asegurado y sin deseo de vincularse con los asistentes, con los que van empezando, con los que están luchando en estos momentos, con los que están “más abajo”. No percibí un gran interés por su público, que a final de cuentas, son sus COLEGAS aunque no vivan en el “Olimpo”.
¿Cómo crear comunidad, un intercambio?
¿Cómo hablar del lugar del artista en la ciudad, de crear lazos y vínculos si había una barrera invisible entre los ponentes y los asistentes? Tuve una especie de sentimiento de que se “miraban el ombligo”. Una apatía por dialogar, por intentar construir.

¿Dónde está el pasado que nos ha traído hasta el hoy? ¿Dónde queda el contexto histórico que estamos viviendo? No hubo reflexión al respecto.
Si bien es cierto que en una jornada tal vez poco se puede hacer, y que el mundo está lleno de buenas intenciones; pero yo esperaba más, más apertura. Me dio la impresión que todos hablaban de sus propuestas y proyectos como lo más perfecto del mundo, sin matices.
¿Dónde está la mirada crítica y a la vez abierta?

¿Cuál es el lugar del artista en la ciudad? Cuestión que al concluir el encuentro, sigue siendo difusa…

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“el duende es un poder y no un obrar, es un luchar y no un pensar… no es cuestión de facultad, sino de verdadero estilo vivo; es decir, de sangre; de viejísima cultura, y, a la vez, de creación en acto.”

Federico García Lorca. Conferencias. Juego y teoría del duende.

Gracias a Ricardo por la aportación.

San Sebastián, España. Verano de 2009

Paseando por San Sebastián encontramos las salas Kutxa Boulevard donde se presenta desde el 24 de julio al 6 de septiembre la exposición “TOPic, un mundo de títeres”.

Recuerdos y aficiones infantiles que aún no me abandonan me impulsaron a iniciar el recorrido por las salas.

Los títeres presentes nos introducen en un mundo que parece infinito por las tan variadas muestras de creatividad e imaginación de sus creadores que se configuran en los distintos personajes: color, forma, textura, tamaño, vestuario, accesorios, expresiones… Todos distintos, todos originales, todo nuevo y a la vez familiar para quien haya tenido la ocasión de asistir a un buen espectáculo de títeres.

La planta baja presenta títeres de Africa, América y Europa. Asimismo, se explican las técnicas básicas:

Marioneta de guante: se introducen el dedo índice y el pulgar en la cabeza del títere, y los dedos pulgar y meñique en las manos del títere. Variante: el títere de guante catalán en el que la cabeza es sostenida por 3 dedos.

Marioneta de varilla: consiste en un bastón unido a la cabeza y que en algunos casos posee un mecanismo para girarla y mover boca y ojos. De las manos también cuelgan varillas. El manipulador sujeta con una mano el bastón y con la otra mueve las dos varillas. Algunas versiones de estas marionetas son manipuladas por dos o más personas.

Marioneta de hilo: el títere cuelga de una serie de hilos unidos a la mano del manipulador o a una cruceta (¿recuerdan Pinocho?).

Marioneta de sombras: figura plana hecha de piel de animal curtida o cualquier material opaco, silueteada, perforada y policromada en ocasiones, según las necesidades del personaje a quien dará vida. La marioneta se contrapone a un punto de luz sobre una pantalla.

Los países que cuentan con “participantes” en esta sala de la exposición:

España (Madrid, País Vasco, Andalucía, Cataluña), Bulgaria, Bélgica, Rumania, Moldavia, Rusia, Hungría, Francia, Holanda, Brasil, Venezuela, Argentina, Uruguay, Colombia, Costa Rica, Estados Unidos, Ghana, Mali, Burkina Faso y Benin.

Dado mi origen, tal vez el lector se pregunte: ¿y México? Pues bien, México está representado por personajes como Chismigón y Lili la gatita (Obra: El caso más difícil. Compañía Emmanuel Márquez); Frida Khalo (¡nada más y nada menos que dos títeres de Frida! Obra: Alfin Frida. Grupo Ikerín)

También están presentes marionetas prehispánicas, provenientes del Museo Nacional del Títere de Huamantla, y marionetas de sombras de la Compañía Mireya Cueto.

El primer piso está dedicado a los países asiáticos, tierras donde los expertos sitúan la cuna del títere. Nos presenta la muy variada y hasta entonces para mí desconocida tradición del títere asiático. De todas las marionetas presentes en la exposición, las asiáticas fueron las que más me gustaron. Las técnicas y procedimientos de construcción pueden tener una antigüedad de 2000 años.

La muestra está organizada, al igual que en la planta baja, por países:

India: se informa al visitante que la primera referencia al teatro de marionetas en India es el poema Mahabarata. Existen entre 18 y 20 tradiciones vivas de marionetas en todo el territorio.

China: al parecer, las marionetas se crearon a partir de objetos estáticos que se empleaban en sacrificios funerarios y evolucionaron en figuras móviles utilizadas en funerales y bodas.

Sri Lanka: en la antigüa Ceilán, los marionetistas constituyen un pequeño grupo en el pueblo de Ambalangodo, al sur de la isla. Quedan solo 3 o 4 compañías que siguen activas, integradas por los miembros de una misma familia.

Myanmar o Birmania: las representaciones de marionetas en este país siempre constan de al menos 28 personajes entre humanos, animales y seres míticos.

Indonesia: teatro tradicional de las regiones con influencia javanesa, el teatro de marionetas Wayang fue declarado en 2003 Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la humanidad por la UNESCO.

http://www.unesco.org/culture/ich/index.php?RL=39

Vietnam: las marionetas de este país son elaboradas con madera resistente al agua, pintadas con colores vivos y van montadas sobre una base que sirve de flotador a fin de mantener el equilibrio; van provistas de una larga pértiga de bambú. Todo ello con la finalidad de ponerlas a “navegar”.

En el sótano se presenta un homenaje a Mariona Masgrau, artista plástica y titiritera, fundadora de la compañía La Fanfarra y creadora de Malic, “Aventurero Ibérico Profesional”.

El folleto a disposición del público explica que la exposición es una muestra de lo que está por venir: TOPic, definido como centro cultural dedicado al Teatro de Títeres que abrirá sus puertas el mes de noviembre de este año en Tolosa (Guipúzcoa, País Vasco español).

Durante y después de este recorrido, quedan muchas sensaciones, como se menciona más arriba, el estar en contacto con tantas muestras de diversidad, imaginación y creatividad es en cierta forma, “electrizante”, estimulante, por decirlo de algún modo. Queda el gozo, el deseo de asistir a una o varias presentaciones de títeres aunque yo ya no sea tan niña, para poder disfrutar de este arte en vivo; y queda también algo de nostalgia, de melancolía, una sensación de lo que ha pasado y que ya no es como antes. Aunque esta exposición es muestra palpable de que los títeres o marionetas no están muertos ni olvidados (no vi niños en la exposición, aunque por ser verano tal vez estaban aprovechando los meses de sol en la playa), se enfrentan a una gran competencia en estos tiempos de video juegos, dvd, teléfonos móviles e internet; y surge la pregunta si los títeres pueden y podrán seguir dando la batalla para llevar a grandes y pequeños a tramas y mundos diversos y fantásticos.

Referencias:

*Sitio web de TOPic, centro internacional del títere

http://www.topictolosa.com

*Japón no está presente en la exposición, aunque cuenta con la tradición del teatro de marionetas Ningyo Johruri Bunraku:

http://www.unesco.org/culture/ich/index.php?RL=46

*Museo Nacional del títere de Huamantla

http://www.sic.gob.mx/ficha.php?table=museo&table_id=848

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Parece que los días “fuertes” en cuanto a presencia de grandes figuras literarias mexicanas fueron el sábado y el domingo, pero yo no estuve presente.

El lugar donde se lleva a cabo el evento es enorme (Porte de Versailles), al entrar me llevé una sorpresa ya que esperaba encontrarme con algo del colorido mexicano ya que el pabellón mexicano se llamaba “Mosaico de diversidad” y eso me llenaba la cabeza de ideas acerca de lo que iba yo a ver. La entrada era de lo más sobrio, los stands de las editoriales bien alineados en cada pasillo, identificado con una gran banderola y su correspondiente letra.

El espacio de México se ubicaba al fondo del espacio de exposiciones, así que tuve que atravesar el gigantesco recinto hasta que ¡por fin! llegué a mi destino.

En lugar de encontrarme con un pedacito de México en Francia me topé con… ¡Gibert Joseph! La LIBRERIA OFICIAL del País invitado.

(Podría decirse que Gibert Joseph es algo así como el equivalente francés de la librería Gandhi)

Recorrí las mesas para ver los títulos a la venta. Estaban los “clásicos” (en francés y en español): Octavio Paz, Carlos Fuentes, Juan Rulfo, Jorge Volpi. Había algo de Elena Poniatowska, algo de Enrique Krauze… Cuatro tomos de “Todo Rius”, varios números de Artes de México. Quise comprar uno, por supuesto el dedicado a Guadalajara, lamentablemente estaban muy maltratados y el costo me disuadió de efectuar la mencionada transacción comercial: 15 euros.

Había también varios libros de fotografía, de arte. Muy bonitos y MUY caros, así que pasé de largo sin acercarme demasiado.

Después me dirigí a lo que era la denominada zona de exposición, con los logos de CONACULTA y Fondo de Cultura Económica visibles. Podrán ver una imagen más o menos del área en:

http://www.salondulivreparis.com/site/FR/Visiteur/Le_Mexique_a_l_honneur/Le_Pavillon_mexicain,I131.htm

Eso fue lo que más me decepcionó. Al fondo había una especie de muro “a lo pirámide” por decirle de algún modo, donde había libros, libros, libros, tan arriba que no se alcanzaba a ver bien la portada y mucho menos era posible apreciarlos en detalle.

Los demás ejemplares estaban en mesas parecidas a las de Gibert Joseph, y estaban acomodados de la siguiente manera: hasta arriba un libro, sin empacar para que el ávido público pudiera inspeccionarlo a sus anchas. Debajo de éste, varios ejemplares del mismo título pero empacados. Lo cual llevaba a pensar que sí estaban a la venta.

Al preguntar a la chica responsable del área, ella me respondió entre francés y español (aunque era compatriota y tenía como dicen “el nopal grabado en la frente”, no sé por qué lo hizo en dos idiomas) que no estaban a la venta y que tenía que ir a Gibert Joseph a comprarlo, que porque TODOS los libros en exhibición se vendían ahí.

Le respondí también en francés y español que acababa de recorrer todo el espacio Gibert Joseph y que no estaba ese libro. Ella terminó el diálogo diciendo que: el libro no se vende.

Regresé decepcionada a Gibert Joseph a dar otra vuelta por si se me había pasado algo, y una de las chicas que trabajaban ahí me preguntó si podía ayudarme.

Cuando le relaté el “incidente” del libro, ella me contestó que en un principio los mexicanos habían quedado de darles una lista de los libros en exhibición para que ellos a su vez los tuvieran a la venta. Al final resultó que no les pasaron la información. Tengo la impresión de que no estaban muy organizados que digamos…

Una amiga me comentó también que notó la falta de títulos mexicanos en áreas como ciencias sociales, filosofía… y ¡yo también noté la gran ausencia de literatura infantil y juvenil!

A pesar de todo vi a varios franceses con sus bolsitas de México, lo cual indicaba que habían hecho alguna compra “mexicana”.

Mi siguiente etapa fue visitar el área infantil/juvenil, que según informaron los organizadores en su página web, iba a ser coordinada por primera vez por el país invitado. Una imagen aproximada en el enlace a continuación:

http://mexique-livre.com/espace-jeunesse/

Al igual que con el pabellón, esperaba más color, más… México. Sobre todo para un espacio dedicado a niños y jóvenes. Pero en mi opinión todo era, de nuevo, bastante sobrio y discreto. En el momento en que llegué, había una cuenta cuentos mexicana haciendo un relato (en francés, por supuesto) a un grupo de niños franceses. No se escuchaba muy bien ya que el espacio estaba ubicado en el área de editoriales de comics y mangas, había muchos grupos de adolescentes hablando y eso dificultaba el trabajo de la narradora.

El salón del libro no fue lo que yo esperaba, creo que por estar acostumbrada a la FIL (dicen que no son buenas las comparaciones) pensé que la presencia de nuestro país iba a ser más “relevante” por decirlo de algún modo. Y me quedé con la impresión de una representación más bien gris. No sé si sería la intención de hacer algo no folclórico, alejado de los estereotipos que se tienen, o si sería la tan mencionada crisis que limitó el alcance de la manifestación.

Pero, si algo caracteriza a los mexicanos es la creatividad. Tal vez no hubo dinero (una suposición mía), pero hay ingenio…

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Pero, ¿cómo imaginar a un ejecutivo hacer de artista/creador? Si seguimos el sentido del texto, no hay nada más opuesto. Y es muy posible que al escribir esta línea yo esté clasificando en mi categoría de “villanos” a los ejecutivos de Wall Street y anexas que nos han metido en tantos problemas…

En estos tiempos “tempestuosos”, en el sector arte-cultura no hay más que seguir trabajando, luchando, y como me dijo una vez Miguel Issa en un correo electrónico: “sacar agua de las piedras”.

Artículo de Liz Lerman (en inglés):

http://www.communityarts.net/readingroom/archivefiles/2009/03/a_proposed_job.php

Página web de DRAMO, compañía fundada por Miguel Issa y Leyson Ponce:

http://www.dramovenezuela.com/compania.html